Design dei prodotti

L'analisi del generale rapporto fra Arte e Design si focalizza e sviluppa intorno all'idea centrale di "Seduta": oggetto dal compito preciso e definito, ma anche scultura dai rimandi infiniti. Dove il protagonismo della sedia è costantemente minacciato dalla sua negazione: il corpo mancante sulla sedia. La figura assente è quindi il vero soggetto di questa mostra dove le opere degli artisti contemporanei sono accostate, in un continuo dialogo visivo, con le sedie di design da cui l'opera prende parte della sua ispirazione, come Four Thousand Seven Hundred and Twenty Five di Simon Starling e la sedia disegnata nel 1948 da Carlo Mollino. Accanto agli artisti contemporanei Marisa Merz, Cristoph Büchel, Vedovamazzei, Adolf Vallazza, Tony Oursler, Ghada Amer, Chen Zhen, Ernesto Neto, Marc André Robinson, grandi designer come Carlo Mollino, Charles Rennie Mackintosh, Alessandro Mendini, Jasper Morrison, Gerrit T. Rietveld, August Thonet, Sori Yanagi, Verner Panteon, Gae Aulenti, Coop Himmelblau, Shiro Kuramata, Frank O. Gehry, I fratelli Campana, Marcel Wanders, Olivier Mourgue, Gaetano Pesce, Martino Gamper, Armando Testa.

Il volume si propone di delineare la storia del design della ceramica in Italia dalla fine dell'Ottocento a oggi: dal dibattito sulle arti applicate e la prima industrializzazione alla nascita dei distretti produttivi e la trasformazione industriale, dal Novecento con i grandi numeri e le autorialità di designer e imprese al panorama contemporaneo tra moda e ricerca. Il volume indaga come il sistema di lavorazione della terra affidata al fuoco si affermi, a partire da fine Ottocento, come campo di sperimentazione ideale per la nascente industrializzazione, oltre che per la circolazione e la diffusione di linguaggi formali e decorativi ripetibili. La variegata realtà dei distretti produttivi italiani è documentata attraverso un'analisi della loro evoluzione che a partire da lavorazioni tradizionali si rivolge alla modernità avviando significative trasformazioni tecniche e di mercato. Il volume, articolato in cinque ampi capitoli, dimostra come la ceramica, mediante le sue caratteristiche di lunga durata, di serialità formale e di profondo e persistente rapporto con la quotidianità, possa divenire uno dei riflessi delle mutazioni di significato del design contemporaneo.

Un libro dedicato allo stile della Puglia più charmant

Esistono ancora problemi di design irrisolti? È possibile migliorare le proprie condizioni di vita attraverso un approccio erg

"Che cos'è il design? Come funziona il linguaggio degli oggetti di cui ci circondiamo? Quali relazioni lo legano alla moda, al lusso, alla pubblicità, all'arte, all'industria, alla nostra storia personale e collettiva? Il designer è un artista o un professionista, è un meticoloso risolutore di problemi o un egocentrico creatore di oggetti inutili? "In tutte le sue manifestazioni, il design è il Dna delle nostre società. Se vogliamo capire la natura del mondo moderno, è questo codice che dobbiamo esplorare." Gli oggetti parlano e, in un mondo sommerso di cose, il rumore di fondo è diventato così assordante che è giunto il momento di chiedere un po' di silenzio e lasciar parlare quelli che hanno seriamente qualcosa da dire: capitolo dopo capitolo, pagina dopo pagina, scopriamo quanto ci manchi una seria e approfondita cultura sull'argomento, quanto piacere ci sia nel conoscere attraverso gli oggetti, quanto possiamo coltivare noi stessi e la nostra stessa personalità circondandoci di oggetti, nei quali riconoscerci e ai quali affidare il compito di rappresentarci. Deyan Sudjic ci insegna ad apprendere questo linguaggio e ad ascoltare con giudizio critico, così da renderci più consapevoli del mondo nel quale viviamo". (M. De Lucchi)

Cos'è la brand? Quali sono le modellizzazioni che l'hanno definita? Che differenza c'è tra i modelli di stato e quelli di gestione? Com'è cambiata la visione di Séguéla rispetto a quella di Semprini? E quella di Sicard rispetto a quella di Floch? E perché il design è strategico per la brand? È certo che le agenzie di pubblicità sappiano davvero cosa sia la brand? 0, forse, poiché le agenzie di pubblicità non sanno più cosa fare, continuano a far credere di saperlo? Quando è nato il concetto di brand? Questo libro cerca di trovare risposte a queste domande. E si pone l'intento di farlo, giustificando razionalmente e scientificamente, le argomentazioni che stanno alla base delle risposte. La prima parte del volume è dedicata al modello di branding e descrive approfonditamente gli aspetti che lo compongono. La seconda parte del libro tratta di come il modello del branding si ricolleghi ad un modo di pensare la brand, affermatosi con l'insorgere di particolari condizioni socioculturali e con l'incontro tra determinate culture e formae mentis. La terza parte, completa il percorso offrendo al lettore alcune schede di protagonisti che nel mondo del design e dell'impresa hanno segnato con progetti e idee il mondo contemporaneo, e in particolare il mondo della brand. Un glossario dedicato completa il volume, come supporto al lettore, e come utile strumento di lavoro per chi opera come designer, professionista, product manager o imprenditore; e più in generale nel mondo della brand.

Da decenni il Gruppo Euromobil opera nel campo dell'arredo in Italia e nel mondo. Esso è anche, anzi soprattutto, un'esperienza di carattere progettuale attraverso la quale transitano prodotti e sistemi di arredo per la casa accomunati da una serie di grandi valori che costituiscono il contesto culturale di riferimento, originale o comunque non sempre rintracciabile in realtà industriali analoghe. Il Gruppo si fonda su alcuni valori centrali del Made in Italy: una famiglia di imprenditori; un territorio che rappresenta, nel panorama internazionale, un sistema irripetibile, dall'idea al mercato, e che mantiene primaria la qualità del prodotto; un continuativo e lungimirante investimento nelle tecnologie e negli stabilimenti produttivi. Il libro racconta l'apertura verso l'arte contemporanea una passione da ricondurre al gusto e alle scelte dei fratelli Lucchetta. E l'arte è un patrimonio che interagisce, direttamente o indirettamente, con il modo di fare impresa. Allo stesso modo i successi del Gruppo in ambito sportivo testimoniano la capacità di fare squadra e di raggiungere importanti traguardi.

Il design del suono ha profondamente modificato il modo di intendere il progetto. Ha ridefinito il valore della sonorità, rivalutando il rumore dell'oggetto e conferendogli la dignità di suono e, successivamente, ha istituito un proprio duplice campo di azione. Da un lato, la creazione di una identità sonora ex novo per oggetti tecnologici di moderna concezione. È il caso per esempio dei jingle di accensione di computer e cellulari. Su un altro fronte, il design del suono assegna vecchi suoni a oggetti che sono l'evoluzione digitale di tecnologie pre-digitali: è il caso del "click" prodotto dalle moderne macchine digitali, oppure del "drin" emesso allo squillo dai telefoni cellulari. Il primo tende a superare l'oggetto pre-digitale miniaturizzandolo e de-materializzandolo fino allo stravolgimento della sua originaria morfologia; il secondo invece pone con il suo "effetto-ricordo" un argine sentimentale a questa onda di trasformazione, legando all'oggetto digitale la memoria sonora del suo precursore pre-digitale. C'è un comune denominatore: il riconoscimento dell'importanza del design del suono nel progetto dei nostri oggetti quotidiani. Il nostro obbiettivo è che questa mostra produca nel corso degli anni nuovi stimoli, che saranno raccolti via web per generare un futuro progetto espositivo integrato.

Paolo Tamborrini è architetto e ricercatore presso il Dipartimento di Progettazione Architettonica e di Disegno Industriale del Politecnico di Torino, I Facoltà di Architettura. Associa l'attività di docente ai suoi interessi professionali nei campi dell'ecodesign e della comunicazione visiva. È titolare dei corsi di Requisiti Ambientali del Prodotto Industriale nel corso di laurea in Disegno Industriale e di Design per la Comunicazione Visiva nel corso di laurea in Graphic & Virtual Design. Si occupa di critica del design e collabora con diverse testate giornalistiche del settore tra le quali il "Giornale dell'Architettura" e "Domus".

Nel 1980 il sovrano dell'Arabia Saudita affidava la realizzazione della nuova reggia nella città di Taif ad un importante studio di arredatori parigini. Furono i progettisti francesi a contattare Barovier&Toso per il disegno e la fornitura di un a serie di grandi lampadari da collocare nel palazzo reale. La prospettiva di inserire un lampadario veneziano in un contesto governato dal gusto francese suggerì ad Angelo Barovier di ripensare l'immagine della tradizione muranese. Per armonizzare il disegno alla scena, doveva liberare uno spazio per inserire elementi originali e diversi, salvaguardando al contempo l'essenza del linguaggio veneziano. Prende così forma un procedimento di sottrazione e di sostituzione, di semplificazione e di arricchimento. L'identità del disegno è affidata ai profili dei bracci del lampadario, le cui curve sono definite da una gabbia metallica portante su cui sono inseriti gli elementi in vetro. Abolito il consueto corredo di foglie e di fiori, il tradizionale partito decorativo è limitato ai soli 'pastorali', elementi ritorti di grandi dimensioni. Una sostanziale semplificazione resa ancora più evidente dalla rinuncia della policromia, sostituita da una solida composizione monocroma. Questo libro non è solo il racconto che ripercorre l'intera storia del prodotto, quanto un dialogo a distanza con altri oggetti altrettanto emblematici e rappresentativi della cultura e del design contemporaneo.

Dopo due anni di itineranza internazionale la mostra si ripresneta a Torino, aggiornata e arricchita nei contenuti, in occasione degli eventi di "Torino 2008 World Design Capital". L'eccellenza del design "made in Piemonte" è documentata attraverso 200 prodotti industriali progettati e/o realizzati nell'area regionale dal 1995 al 2008, da oltre 150 designer e 170 aziende.

Rileggere gli eventi, gli oggetti, i pensieri che hanno dato vita, formato e sviluppato un percorso produttivo, progettuale e culturale come quello di Cassina significa riflettere sul peso e sul valore di una serie di passaggi attraverso i quali si è costruita una specifica eccellenza del "pensare" e del "fare" il design del mobile in Italia. Rispetto al valore generale di questa grande esperienza costruita in ottant'anni, si è voluto affrontare, in questo volume, la ricostruzione di tale percorso mettendo in fila quella serie di "incontri", tra l'azienda e i designer, che sono stati l'occasione per offrire delle "visioni", che hanno segnato profondamente l'evoluzione di Cassina e del design internazionale.

Il volume, realizzato in occasione dell'iniziativa dal forte valore simbolico tenutasi nella chiesa milanese di Santa Maria Annunciata dal 19 marzo al 19 ottobre 2008, rivela la capacità di Pino Pedano di dare un contenuto di ampio respiro alle sue opere, attraverso un profondo cambiamento del suo linguaggio espressivo, non soltanto di natura estetica ma principalmente di natura spirituale. Le sculture di Pedano si fondono nell'atmosfera fluorescente di Flavin arricchendola di percezioni, dove la materialità del legno si ritrova dinamicamente a confronto con l'immaterialità della luce. A partire dal tracciato luminoso e variopinto che ridefinisce lo spazio sacro e che si intreccia con la materia lignea delle opere, si può riconoscere un significato profondo e intimo che si esprime, da un lato, nella metafisica impossibilità di scoprire il volto del divino e, dall'altro, nella continua e appassionata ricerca dell'essenza della vita, dell'universo e di Dio.

Un'insolita collezione raccolta in tutto il mondo: sedie, lampade, orologi e strumenti elettronici, ma anche automobili, progetti architettonici, tessuti, stoviglie di uso popolare, carri e selle, inclusa una carrozza fornita di cavalli in carne e ossa per l'esposizione. Collocato nel primo edificio realizzato in Europa da Frank O. Gehry, il Vitra Design Museum è oggi uno degli enti che maggiormente contribuisce alla ricerca nel design e alla sua diffusione nel mondo.

Il catalogo, creato in occasione della mostra "Macchinette - Le bubblecars nel design del Novecento" (Roma, EX G.I.L. di Largo Ascianghi, 6 marzo - 6 aprile 2008), illustra il fenomeno delle micro vetture, lanciato in America nell'immediato dopoguerra ma divenuto presto un evento europeo. Le "macchinette" rappresentano infatti una rinascita del vecchio continente, una risposta alla depressione post bellica che si materializza in una rincorsa al benessere. L'Italia in particolare crea in questi anni l'Isetta, la bubblecar dalle linee curve organiche, sulle linee rette, razionali, che rappresenta la conversione dell'industria al fabbisogno dell'individuo alla ricerca della mobilità. Il catalogo dunque non stimola semplicemente la curiosità degli appassionati collezionisti, ma invita alla riflessione su vari aspetti: dal design alla tecnologia, al costume, alle problematiche storico-sociali e ambientali.

Diciotto artisti hanno raccolto l'invito dei consulenti Fabbri e hanno realizzato diciotto opere che raccontano un pezzetto di storia, che è ancora una volta la storia dell'arte contemporanea italiana. C'è chi dipinge, chi scolpisce, chi fotografa, chi ironizza e chi sogna. Forse è vero che l'Amarena Fabbri è dentro le nostre vite perché è dentro la nostra infanzia e come tale è un oggetto da cui si trae ispirazione. Una ciliegia, un gelato o uno sciroppo diventano un'opera d'arte in un momento bello, della giovinezza o della vita intera.

"Entrare nell'azienda Tibaldi, aggirarsi nei locali dove i lavoratori e i tecnici fanno nascere le penne procura una doppia emozione: che il tempo può essere retrodatato e, insiem, che la modernità è tale se non è mai assoluta ma concede grazia alle eccezioni. Ne nasce l'idea di un laboratorio bodoniano attuale, laddove Bodoni creava i caratteri topografici. Il che è garanzia di classe, di una piccola genialità. Si riflette subito sul concetto di pensiero. Il pensiero si incide sul foglio, sostituendosi ai caratteri bodoniani e affidandosi alla pazienza, all'umiltà servile delle mani: che stringono la penna, si muovono, dirigono la scrittura. Le mani che si intrecciano con la penna come avviene per le mani di un amico, per la bellezza della comlicità" (Alberto Bevilacqua).

Non solo forme, ma spunti culturali, sociali, tecnologici

Il celebre fotografo Carlo Orsi reinterpreta la lampada Foster, pezzo unico e storico nella produzione FontanArte, inserendola in differenti contesti e ambienti in diverse parti del mondo.