Singoli Designer

Luigi Molinis (Udine, 1940) è un punto di riferimento per il mondo accademico e intellettuale friulano nell'ambito del design e della progettazione, ma la sua influenza va ben oltre i confini della regione in cui tuttora vive e lavora. Grazie a una straordinaria capacità espressiva versatile e originale, nel corso degli anni Molinis ha abbracciato diversi settori professionali, spaziando fra architettura, design, pittura, disegno, fumetto e poesia. In ognuna di queste esperienze ha raggiunto livelli altissimi fin dalla sua prima creazione, la serie di televisori realizzati nel 1970 per Sèleco, caratterizzati da forme morbide e dai colori intensi, ammiccanti al casco dei cosmonauti - icone dell'immaginario collettivo - che avrebbero fatto tramontare per sempre l'usanza di appoggiarci sopra i centrini ricamati. Il volume, dal taglio monografico, costituisce un'occasione per conoscere la sua vasta produzione e coglierne le profonde connessioni interne ed è un'opportunità per presentare lo spessore culturale e la visionarietà di questo progettista.

Donata Paruccini è capace di osservare la vita nella sua quotidianità: una porta che sbatte, il gelo dell'impugnatura di un coltello contro il palmo della mano, le spazzole per le scarpe chiuse in scatole di lamiera per biscotti. Trovati questi "piccoli segni nei dintorni", Donata li raccoglie e li rielabora. Ne deriva un corpus di progetti raffinato e assolutamente unico rispetto al panorama del design italiano.

Questo volume costruisce la monografia completa delle opere recenti di John Pawson, acclamato designer di ambienti, edifici e oggetti ispirati a uno stile minimalista. Un viaggio alla scoperta dei processi creativi, della gestione dei rapporti con i clienti e della tecnica di design del celebre architetto. La monografia presenta abitazioni e altri edifici costruiti in Europa e in America del nord, oltre a numerosi interni, oggetti e imbarcazioni. Nel volume troviamo una raffinata rassegna di case e appartamenti dallo stile sofisticato e lussuoso progettati da Pawson.

A partire dalla seconda metà degli anni quaranta del '900, l'atelier romano di Fernanda Gattinoni (1907-2002) - sarta che possiamo considerare una pioniera dello stile italiano - divenne meta fissa del jet set internazionale di passaggio per la capitale. Tra le sue clienti, oltre a first ladies e ambasciatrici - da Evita Peron a Claire Boothe Luce - si ricordano molte stelle del cinema tra cui Ingrid Bergman, Lucia Bosé, Bette Davis, Marlene Dietrich, Gina Lollobrigida, Anna Magnani. Proprio a loro, alle attrici che elessero Fernanda Gattinoni come loro sarta prediletta, è dedicato questo volume che presenta, accanto a fotografie d'epoca, alcuni abiti privati e, soprattutto, costumi di scena. Fra questi spiccano quelli che Fernanda Gattinoni realizzò per Audrey Hepburn, nel ruolo di Natasha in Guerra e Pace (1956): da allora anche Audrey, pur non interrompendo il suo sodalizio con Givenchy, si trasformò in una delle habitué di Madame Gattinoni. Il catalogo accoglie i testi di Stefano Dominella, Sofia Gnoli, Rossana Rummo ed è completato da apparati biobibliografici.

Alessandro Mendini - architetto, designer, artista e critico, riconosciuto protagonista della cultura italiana del '900 - rende omaggio al movimento futurista e, in particolare, a Fortunato Depero (Fondo, 1892 - Rovereto 1960), con una serie di opere esposte alla Casa d'Arte Futurista di Rovereto, documentate in questo volume. Mobili e arazzi, ispirati alla creatività di Depero e realizzati appositamente da Mendini per questa occasione, dialogano con le opere del maestro futurista esposte in questa casa museo, in cui il Mart prosegue la sua attività di studio e di ricerca per approfondire la straordinaria avventura creativa del grande artista. Un accostamento, quello delle opere di Depero e Mendini, che lascia emergere combinazioni suggestive e legami affascinanti tra di esse, dando a ognuna la possibilità di essere colta sotto una luce nuova.

Pubblicitario, designer, pittore: Armando Testa si rivela, in questa mostra e nel libro che l'accompagna, artista contemporane

Zanuso ha ideato una famiglia di lampade impiegando una particolare tipologia di vetro, di solito utilizzato per i laboratori e nella chimica: il borosilicato (vetro Pyrex). Il designer ha sfruttato le caratteristiche eccezionali di questo prodotto (regge alte temperature, è molto resistente e perfettamente trasparente) per creare degli oggetti leggeri e evanescenti, che compongono una mostra originale e sui generis. Per usare le parole di Silvana Annicchiarico: "Il modo in cui Marco Zanuso jr concepisce il suo lavoro di designer viene da lontano, affonda le radici nella tradizione più nobile della cultura del progetto, ma presenta anche - al contempo - indiscutibili tratti di contemporaneità, evidenti soprattutto nella continua ricerca di innovazione sia tipologica sia produttiva". Il volume è il catalogo della mostra di Milano (Triennale, 9 marzo - 11 aprile 2010).

L'ingenuità è la qualità umana che tutti gli amici di Paolo gli riconoscono (chi è colpito dalle sue opere diventa suo amico). L'ingenuità giovanile quasi sempre discende da matrice etica. Col passare degli anni le moltitudini di giovani assumono le contraddizioni del mondo reale come ineluttabili e dimenticano la loro iniziale ingenuità. Paolo continua consapevolmente la sua vocazione etico-ingenua, anche quando progetta cose che tengono conto delle contraddizioni che incatenano ineluttabilmente tutti quanti, in particolare quelli del mondo del design. Il suo operare può essere riassunto "Tra gioco e discarica". Vale la pena di esaminare come può essere intesa questa insolita relazione. Incominciamo con la parola gioco. Non viene qui intesa convenzionalmente come pratiche sportive, passatempi, intrattenimenti conviviali, azzardo, la si riferisce piuttosto al gioco infantile che può essere definito l'archetipo del giocare. Paolo Ulian agisce come quel bambino che, partendo da zero, conquista il mondo con la prassi-teoria e consapevolmente realizza cose che manifestano ironia e dileggio per l'alienazione del mondo. La pulsione al gioco è innata, quindi non può che riferirsi anche al recente dominio della discarica.

Questo libro nasce dall'interesse di Andrea Branzi per il rapporto tra la genetica e il design, tra la produzione di serie e l

Il catalogo della mostra di Martino Gamper si presenta come un libro-oggetto composto da quattro elementi: un libro nel libro con formati e supporti cartacei differenti, nei quali sono inseriti un poster e una "rivista illustrata" con le foto dell'allestimento di 100 Chairs in 100 Days e del progetto inedito Stanze e camere realizzato appositamente da Martino Gamper per Triennale Design Museum.

È l'estate del 1972, Andrea Pazienza ha sedici anni, e ritorna sul Gargano per le vacanze estive. Quello appena trascorso è stato un anno di grazia. A Pescara, dove ha frequentato il terzo anno di liceo artistico, il suo vitalismo e il precoce talento hanno avuto modo di manifestarsi in tutto il loro sbalorditivo potenziale. È in questa estate che Andrea, munito di un pennarello e di un album in formato A3, decide di confrontarsi con uno dei mostri sacri del 900, Jacques Prévert. Le 17 tavole raccolte illustrano il "Tentativo di descrizione di un banchetto in maschera a Parigi, Francia", "Lo spazzino (balletto)" e la pièces teatrale "Entrate e uscite". È l'incontro di due artisti ugualmente popolari e anarchici, sperimentali e vernacolari, violentemente antiborghesi e iper-romantici, audaci e fortemente comunicativi. Sono tavole dense e complicate, realizzate eppure con un tratto semplice, essenziale. Traendo linfa da Prévert rappresenta l'orrore, la violenza, lo stupro, senza perdere mai di vista l'utopia e la bellezza attraverso un segno comico-grottesco, iperbolico. Cos'hanno in comune Prévert e Pazienza? Il primo dopo aver attraversato il secolo, si è spento proprio nel 1977, quando il talento dell'altro con Pentothal e sulla scia della contestazione raggiungeva la sua consacrazione. Paz morì tragicamente appena undici anni dopo, simbolo di quella generazione che "non ha mai realmente creduto a niente, se non nella sua dannazione". (Prefazione di Fernanda Pivano)

A trent'anni dalla morte di Harry Bertoia (1915-1978) una grande mostra viene dedicata all'artista dalla sua terra natale, che intende dare conto della sua poliedricità creativa condotta a cavallo fra il mondo dell'arte e quello del design. Ampio spazio è dedicato alla straordinaria collaborazione con l'azienda Knoll, che darà avvio alla realizzazione della celebre serie di sedie in tondino d'acciaio. Proprio all'apice del successo commerciale legato alla sedia Bertoia decise, drasticamente, di abbandonare il design per dedicarsi completamente alla scultura. Alla scultura è quindi dedicato il resto dell'esposizione che riunisce, per la prima volta in Europa, tutte le sue principali esperienze, dalle prime opere geometriche degli anni cinquanta fino alle famose scultore sonore. Il volume che accompagna l'evento, con saggi critici e un'ampia documentazione storica, si configura come la più aggiornata monografia dedicata a questo geniale artista.

A cent'anni dalla nascita a Rimini di Rene Gruau (1909-2004), destinato a essere protagonista sulla scena europea della moda, è stata concepita questa silloge di studi che analizzano il suo apporto sia alla storia dell'illustrazione e della pubblicità sia al mondo della moda. Testimone del Novecento, che ha vissuto quasi per intero, ha lasciato centinaia di tracce tra disegni e bozzetti da giustapporre e intrecciare per capire almeno un po' il rapporto di questo artista con la moda e con il suo tempo. Il mondo illustrato da Gruau era fatto di donne fatali e di uomini giovani e belli. Era un mondo a sé come peraltro lo è quello della moda, che vive un rapporto dialettico col resto della realtà in una miscela di concretezza e visionarietà. I saggi di Elisa Tosi Brandi, Alessandra Vaccari, Adelheid Rasche, Réjane Bargiel, Gianluca Lo Vetro, Bonizza Giordani Aragno, Francesca Iaconisi, Marco Urizzi e Joëlle Chariau approfondiscono alcuni temi della vita e del lavoro dell'artista: dalle vicende familiari ai suoi esordi, dal rapporto con le capitali della moda Parigi, Milano e Roma alla sua produzione, capace di diffondere, attraverso il tratto inconfondibile, il made in Italy nel mondo.

Un nuovo volume firmato Dolce & Gabbana con le immagini del fotografo viennese Guenter Parth. Quello tra moda e fotografia è un legame prolifico. Un cortocircuito d'ispirazioni. Le idee e innovazioni del fashion design hanno infatti generato una straordinaria produzione creativa, trasformando la fotografia di moda in uno dei linguaggi tra i più seducenti e influenti di oggi. Da quando, nel 1982, Domenico Dolce e Stefano Gabbana decidono di mettersi in proprio per creare una loro linea, il grande successo a livello mondiale non è mai cessato. I due sono riusciti in breve a conquistare i consensi di famose star, portando in alto il nome della moda italiana. Dolce & Gabbana è oggi uno dei principali gruppi internazionali leader nel settore dell'abbigliamento e dei beni di lusso.

Un nuovo volume firmato Dolce & Gabbana con le immagini del fotografo viennese Guenter Parth. Quello tra moda e fotografia è un legame prolifico. Un cortocircuito d'ispirazioni. Le idee e innovazioni del fashion design hanno infatti generato una straordinaria produzione creativa, trasformando la fotografia di moda in uno dei linguaggi tra i più seducenti e influenti di oggi. Da quando, nel 1982, Domenico Dolce e Stefano Gabbana decidono di mettersi in proprio per creare una loro linea, il grande successo a livello mondiale non è mai cessato. I due sono riusciti in breve a conquistare i consensi di famose star, portando in alto il nome della moda italiana. Dolce & Gabbana è oggi uno dei principali gruppi internazionali leader nel settore dell'abbigliamento e dei beni di lusso.

"Enzo Mari si muove verso le radici: della forma, dei rapporti fra umani, delle necessità espressive. E un nuoto contro corrente, il suo, dalla complessità alla semplicità, verso le origini degli scambi fra umani, gli oggetti costruiti per vivere, i primi modelli di comprensione. La bellezza non è fra i suoi problemi, poiché fra le sue certezze figura quella che essa emergerà spontaneamente, una volta raggiunto il livello elementare (sostanziale). Questo catalogo tenta di "raccontare quest'uomo silenzioso, che ha inviato oggetti nel gran mare del mercato come altrettanti messaggi in bottiglia e, allo stesso tempo, ha indagato la pittura classica per cercarne strutture elementari. E che, soprattutto, non ha mai smesso la speranza di sovvertire politicamente il mondo, per ricondurlo a destini di uguaglianza e felicità."

Pio Manzù viveva, ideava e progettava per e quando il mondo era moderno. Si tratta di una "modernità che è compenetrazione tra etica e mondo", come afferma Max Weber, e quindi un mondo moderno nel quale si credeva che la vita potesse e dovesse essere progettata.

La seta è l'elemento che accomuna due espressioni artistiche, apparentemente così diverse tra loro, come le creazioni di Roberto Capucci e le armature realizzate nei secoli dalla casta dei guerrieri samurai. Quaranta abiti spettacolari provenienti dalla Fondazione Roberto Capucci rappresentano un panorama della vita creativa dell'artista-stilista: non un'antologia cronologica del suo lavoro, ma spunti per una lettura nuova di quel suo particolare legame con il materiale scelto per le sue opere artistiche: la seta. Straordinarie dimostrazioni d'inventiva, le armature giapponesi e la selva di elmi del Museo Stibbert dall'aspetto così insolito e feroce, e al tempo stesso elegante e suggestivo, rivelano invece la loro natura delicata: sottili lamine d'acciaio coperte di lacca, colorata o dorata, 'tessute' insieme da finissime trecce di seta. Pochi hanno saputo sfruttare come Capucci le particolari qualità di questo materiale, quella resistenza e duttilità che lo rendevano così essenziale anche per le armature giapponesi. Il filo conduttore della mostra è questo, il sottile e resistente filo della seta, che al Filatoio di Caraglio hanno saputo lavorare fin dal tardo Seicento. Due mondi favolosi che, per la prima volta, si trovano affiancati in un ambiente evocativo.

Fra le due guerre Parigi - la Ville-lumière -, appariva come lo scrigno perfetto di sontuosi spettacoli, che dal caf'conc (caffè concerto) al music-hall e all'operetta, affascinava il mondo intero. Le "Folies Bergères", il "Casino de Paris", "Mogador", Châtelet", la "Gaité lyrique" sono i nomi dei locali più celebri, strettamente legati a quegli anni di follie. Jenny Carré, da dietro le quinte, ne è stata una delle principali protagoniste, vestendo e abbigliando per la scena cantanti e attrici come Mistinguett, Maurice Chevallier, Joséphine Baker, Cécile Sorel e tante altre. Con circa 32.000 bozzetti di costumi e scenografie, Jenny Carré ha come incarnato la prodigiosa creatività dell'epoca. La mostra, accompagnata da questo catalogo, si propone di far scoprire questa artista, di cui vengono presentati circa duecento dei disegni più evocativi della sua produzione.