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Il teatro si nutre da sempre delle opere del passato, che l'iconografia ripropone e le riscritture fanno rivivere. Solo i grandi classici, come i drammaturghi antichi e Shakespeare hanno tuttavia saputo dar vita a un immaginario ricco e composito, capace di ispirare autori, registi e artisti figurativi fino ai nostri giorni. Traduzioni, adattamenti e riscritture sono forme di illustrazione di un testo, così come l'iconografia tende a riscriverlo in un altro mezzo espressivo, che comprende un'estrema varietà di tipologie: dalle illustrazioni delle edizioni ai ritratti di un attore nella parte, dalle raffigurazioni fantastiche di un'azione del dramma alle messe in scena contemporanee. I saggi che vi sono contenuti hanno in comune l'approccio di fondo, fondato sul concetto esteso di riscrittura, intesa come adattamento, trasposizione o transcodificazione di un oggetto estetico in un'altra forma o tecnica artistica. Rielaborazioni e riscritture letterarie, figurative e sceniche si intersecano e si influenzano a vicenda, creando una fitta rete di relazioni che questo volume intende appunto esplorare.

"L'opera di Art Spiegelman denota una concezione dolorosamente 'continuativa' della Shoah. Una deriva inarrestabile manifestata in primo luogo nell'alveo figurale di 'Maus. A Survivor's Tale', ove la maligna costellazione di accadimenti risulta raffigurata unitamente alle sue ramificazioni traumatiche transgenerazionali: un doloroso legato mnestico trapunto di introiezioni negative, incubi, spettri e pervicaci ossessioni. La conformazione degenerativa dell'esperienza concentrazionaria emerge anche in 'In the Shadow of No Towers', dove la rappresentazione del trauma storico vissuto dall'artista l'11 settembre 2001 a Manhattan è non a caso punteggiata da riferimenti all'inconfondibile repertorio figurale di 'Maus'. L'ombra lunga e cupa della Shoah pare imprimere il proprio marchio indelebile su entrambe le opere, configurandole come ricettacoli di un'esperienza traumatica pervicacemente inalveata in una catena di ricordi luttuosi che attraversa e unisce tre generazioni."

La relazione tra moda e arte, originatasi all'epoca in cui la moda stessa è nata come espressione della modernità, si è fatta più stringente nel clima innovativo e sperimentale delle avanguardie e neo-avanguardie novecentesche, tanto da rappresentare una sorta di "cucitura" operata all'interno di un comune schema di rottura e mutamento storico di cui la moda sarebbe il "filo" e l'arte visuale, la metaforica "tela". Operazione che ha prodotto sia il modo di intendere e creare l'abito moderno, su base tecnico-industriale, sia il modello corporeo che se ne riveste in funzione di 'seconda pelle'. L'originario impulso della moda alla mutazione sta per altro subendo un potenziamento e una forte accelerazione per effetto di tutte quelle risorse informatiche che sono entrate stabilmente nel suo sistema, così come sono entrate, con forza non minore, in quello dell'arte. Ma ponendo tanto nell'una quanto nell'altra quegli stessi paradigmi problematici dell'intelligenza artificiale e delle mutazioni trans e post-umane che la cultura post-moderna va declinando nelle scritture di un meta-corpo che si pretenderebbe finalmente liberato dalla soggettività e dalle categorie dell'identità.

Da puro riferimento iconografico o curiosità sfiziosa, la tecnologia è divenuta parte integrante del linguaggio artistico contemporaneo che ha privilegiato il nesso umano/meccanico, ovvero naturale/artificiale. Una certa invasione di campo di tali tematiche è osservabile ai giorni nostri anche nella moda. Se il timore di non riuscire a controllare umanisticamente i prodotti avanzati della scienza ha spesso spinto a utilizzare l'orizzonte tecnologico e la futurologia come sfondi di utopie negative, altrove si nota il dominio che in genere gli artisti esercitano sulla paura dell'ignoto derivante da un futuro scientificamente governato. Non altrimenti, nella moda, tessuti, metodi di produzione e programmazione high-tech sono divenuti consueti. Il raffronto tra moda e tecnologia presente in questa raccolta di studi non solo dà conto dello stato delle ricerche, ma si allinea alle propensioni cyborg che emergono nelle recenti collezioni. Per i contenuti trattati la pubblicazione può interessare, non solo storici dell'arte e della comunicazione, ma anche professionisti del settore tecnico e tessile, distributori del "prodotto moda" e centri di documentazione.

Ideato da una delle artiste giapponesi più conosciute, il volume vi svela attraverso semplici istruzioni i segreti per realizzare divertenti disegni che celebrano la natura. Lo stile dell'autrice è unico, semplice, allegro ed è in grado di offrire ad artisti e appassionati, con o senza esperienza nel disegno, l'ispirazione e le dritte necessarie per disegnare in stile giapponese. Questo libro è adatto a chiunque voglia integrare il proprio lavoro con l'illustrazione o si voglia semplicemente cimentare nel disegno. All'interno imparerete a disegnare insetti, uccellini, piante, fiori, frutta e verdura: dalle peonie alle violette, dalle carpe alle rondini.

Vi siete mai chiesti cosa fa il vostro gatto quando siete al lavoro o dove va mentre dormite? Be', finalmente troverete le risposte a ogni vostra domanda in questo diario in cui Micia spiega per la prima volta cosa pensa il vostro gatto, con chi si vede, e moltissimo altro. Una lettura folgorante e divertente per tutti gli amanti dei felini.

Un portfolio contenente 10 illustrazioni tratte dal libro, di grande formato e staccabili, da appendere incorniciate sul uro di casa o dell'ufficio, belle da vedersi e al tempo stesso portatrici di un messaggio da non dimenticare. Creando associazioni visive tra toccanti illustrazioni di animali, ora teneri ora sofferenti, e l'utilizzo che di questi facciamo sotto forma di cibi, latte, pellicce e forme di intrattenimento (zoo, acquari, circhi e simili), le illustrazioni di Roger Olmos hanno il sapore di una rivelazione. Delicate eppure potenti, riescono a imprimersi nell'immaginario di grandi e piccini interrogandone la coscienza. Creando un immaginario surrealista e metamorfico, ci costringono ad aprire gli occhi e a scoprire qual è il costo in termini di dolore di una quotidianità che viviamo con noncuranza. È un linguaggio visivo che trasmette emozioni per farci riflettere, metterci a confronto con la realtà, senza mai dare l'impressione di voler imporre una violenza ideologica ma solo un orizzonte più ampio.

Stefano Bessoni riprende uno dei personaggi più amati della sua infanzia per personalizzarne le gesta con uno stile narrativo agile e fiorito e le sue riconoscibilissime immagini macabre e divertenti. Il suo sguardo è quello di un naturalista dall'animo vittoriano, diviso tra la passione per gli insetti, l'anatomia umana, gli scheletri, gli spettri, la fotografia. Lungi dal seguire fedelmente le arcinote vicende narrate da Collodi, l'autore mette in scena il burattino e lo stralunato circo di personaggi che gli ruota attorno dotandoli di tutto ciò che la fantasia lo ha portato a immaginare al di là del testo scritto. Il Pinocchio di Bessoni si nutre delle suggestioni del famoso sceneggiato di Luigi Comencini e delle illustrazioni di Enrico Mazzanti e Carlo Chiostri e le contamina con influenze shelleyane e lombrosiane. Nato probabilmente da una grossa radice di mandragola cresciuta ai piedi di una forca, Pinocchio è una creatura bizzarra che reca le stigmate anatomiche del "delinquente nato" di Cesare Lombroso e la perturbante diversità del Frankenstein di Mary Shelley. Si unisce così a quella vasta schiera di esseri creati sovvertendo le regole naturali, infelici per vocazione e freak a ogni costo. Una reinterpretazione di un grande classico che, andando al di là dell'ambito della narrativa per bambini, rivendica il proprio status di opera letteraria gotica o romantica, nel solco di Hoffman e Poe.